Análisis de una obra teatral

Análisis de una obra teatral

Guía para una lectura crítica
de una obra de teatro

Una lectura crítica es una lectura de un texto que toma conciencia de los recursos formales y estilísticos que usan los autores en la creación de sus obras artísticas. A continuación anotamos una guía, en la forma de una serie de preguntas, que puede ayudarnos a realizar una lectura profunda y crítica de un drama escrito. El cuestionario es general y no todas las preguntas van a ser pertinentes para todos los textos (véase la aplicación en el análisis de un ejemplo, La isla desierta). Estas preguntas también pueden ayudar para enfocar el análisis en un aspecto concreto de la obra de teatro.

[La siguiente guía para una lectura crítica está enfocada en el texto dramático y no en unaobra representada. No consideraremos la problemática derivada de una posible puesta en escena.]

I. El título

1. ¿Es un título provocador?
2. ¿Existe alguna relación entre el título y el contenido de la obra?
3. ¿El título representa la obra, como la forma más breve de resumen? ¿Resume el texto de forma positiva o lo contradice de forma irónica?
4. ¿Cuál es su función?
5. Nombra al personaje principal.
6. Da una idea del tipo de obra que se va a presenciar.
7. Da una idea del tema principal de la obra.
8. Crea un ambiente.
9. Despierta la curiosidad.

II. El texto primario

1. ¿Está compuesto principalmente de monólogos o de diálogos?
2. ¿El lenguaje es arcaico o moderno?
3. ¿Está escrito en prosa o en verso?
4. ¿Hay apartes y acotaciones habladas?

III. El texto secundario

1. ¿Es rigurosamente descriptivo o deja mucha libertad para la puesta en escena?
2. ¿Indica una escenografía precisa?
3. ¿Indica el vestuario de cada actor?
4. ¿Precisa las emociones que deben expresar los actores?

IV. Los elementos de la obra

1. ¿Cuántos elementos podemos reconocer?
2. ¿La obra narra una historia sin usar palabras y lo hace valiéndose de otros recursos como la mímica o la danza?
3. ¿La obra está únicamente compuesta por un actor que desarrolla un monólogo?
4. ¿Está compuesta sólo por actores que desarrollan diálogos?
5. ¿Podemos distinguir algún actante importante o sólo sirven para crear el ambiente?
6. ¿Qué tipos de actantes hay?
7. ¿Se indica una escenografía?
8. ¿La escenografía indicada es importante para el desarrollo de la historia?
9. ¿Está definido el escenario?
10. ¿El texto secundario la detalla con precisión?
11. ¿Es considerado el público como un actante más?
12. ¿Usa distintos recursos tecnológicos para lograr “efectos especiales”?

V. La exposición

1. ¿En qué consiste?
2. ¿Es suficiente para definir el género dramático de la obra?
3. ¿Hace referencia a un tiempo y un espacio fuera del espacio de representación a través de una acción referida?
4. ¿Es una exposición narrada por algunos actores, o es sugerida a través de un acto inicial?
5. ¿Es importante la escenografía en esta exposición?

VI. El desarrollo

1. ¿Es ágil o es lento?
2. ¿Tiene unidad de espacio y de tiempo o, por el contrario, su acción se extiende por diferentes momentos y diferentes espacios?
3. ¿Se revela el desenlace anticipadamente?
4. ¿Se desarrolla en un orden cronológico lineal?
5. ¿Hay actos que distraen la tención del drama central?

VII. El punto culminante

1. ¿Es único?
2. ¿Cómo es el conflicto?
3. ¿Es el resultado lógico de la acción?
4. ¿Es el momento de mayor emoción para los personajes o es el momento de una revelación crítica, intelectual de un problema?

VIII. El desenlace

1. ¿Es previsible o es sorpresivo?
2. ¿Es importante para la obra?
3. ¿Define el género dramático al que pertenece la obra?
4. ¿Es abierto o es cerrado?

IX. La estructura

1. ¿Está organizado según diferentes actos?
2. ¿Tienen relación los actos con el tiempo y el espacio?
3. ¿Qué función tienen las escenas en la estructura de la obra?
4. ¿Crean las escenas un ritmo especial?
5. ¿Su estructura es novedosa o tradicional?
6. ¿Hay una voluntad de experimentación formal?
7. ¿Cuánto tiempo dura la acción central?
8. ¿Es ordenada o caótica?

X. Los personajes

1. ¿Cómo es el número de los actores?
2. ¿Existen personajes que pueden ser considerados actantes?
3. ¿Los personajes principalmente actúan o narran?
4. ¿Sus personalidades están definidas o indefinidas?
5. ¿Los actores son las voces críticas del dramaturgo o actúan sin conciencia de la ideología y de la moral de su autor?
6. ¿Poseen psicologías en la cual los espectadores se pueden reconocer por mimesis o son deliberadamente absurdos e inverosímiles?

XI. El conflicto

1. ¿Cómo es el conflicto? (Entre personajes, entre personaje y el ambiente, entre el individuo y su sociedad, etc.)
2. ¿Es un planteo realista?
3. ¿Predomina el conflicto psicológico?
4. ¿Predomina el conflicto social?
5. ¿Es de tipo filosófico o religioso?
6. ¿Cuál es la ideología del autor?
7. ¿Es posible descubrir la ideología del autor? ¿Cómo ve la realidad el autor?
8. ¿El autor pretende plantear algún tipo de crítica literaria o metaliteraria?
9. ¿Es posible identificar algún tipo concreto de moral en el texto?
10. ¿Expresa el autor ideas acerca de su mundo?

XII. El Género

1. ¿La obra dramática está escrita para ser leída o para ser representada?
2. ¿Qué predomina en la obra, su dimensión visual (plástica) o el uso de las palabras.
3. ¿Es una obra experimental o podemos reconocerle un género tradicional?
4. ¿Es una tragedia, un drama o una comedia? ¿Pertenece al “teatro del absurdo” o al “teatro experimental” o al “teatro épico”?

Elementos narrativos de una obra teatral

Elementos narrativos de una obra teatral

La narración: elementos narrativos.

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Esta entrada gira en torno a los personajes, el espacio, el tiempo y la estructura de la narración. Imprescindible si vamos a tratar el texto narrativo a lo largo de toda la enseñanza secundaria.

1– LOS PERSONAJES

Los personajes de la narración son de dos tipos según su importancia en los hechos que se cuentan:

• Principales: el protagonista de los hechos y el antagonista son personajes fundamentales.
• Secundarios: son personajes que ayudan en el desarrollo de los acontecimientos.

Según el tratamiento que se da a los personajes, estos pueden ser:

• Planos: personajes de los que no se ofrecen muchos detalles
• Redondos: personajes complejos de los que sabemos muchas cosas.

2– EL TIEMPO

Llamamos tiempo externo al momento en el que se sitúa la historia: la actualidad, el siglo XVII, el fututo…

Llamamos tiempo interno al tiempo que transcurre desde que comienza la historia hasta que termina: tres años, un día, toda una vida… En algunas novelas este tiempo se convierte en el eje dentral. Piensa en la célebre obra de Julio Verne La vuelta al mundo en 80 días.

 3- EL ESPACIO

El lugar en el que se desarrollan los hechos puede ser real, si existe o ficticio, si es inventado. Don Quijote recorre las tierras de un lugar real, Castilla la Mancha; sin embargo, Frodo y su amigo Sam recorren la Tierra Media hasta llegar a Mordor pasando por infinidad de lugares inventados.

4- ESTRUCTURA DE LA NARRACIÓN

Las narraciones incluyen tres partes fundamentales, si bien algunas veces podemos alterar este orden para dar más emoción a nuestro relato:

· Introducción: se presenta a los personajes, que quedan situados en el tiempo y en el espacio

· Nudo: se relatan los hechos

· Desenlace: se resuelve la trama que se plantea.

 Un pastor se encuentra con un lobo.

— ¡Qué hermosa dentadura tiene usted, señor lobo!— le dice.

— ¡Oh!— responde el lobo —mi dentadura no vale gran cosa, pues es una dentadura postiza.

— Confesión por confesión, entonces —dice el pastor— si su dentadura es postiza, yo puedo confesarle que no soy pastor: soy oveja.

Fábula. Braulio Arenas

EL CLAROSCURO

El claroscuro, palabra proveniente del italiano chiaroscuro,¹ es una técnica de pintura que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos elementos.² Esta técnica permite crear mayores efectos de relieve y modelado de las formas, a través de la gradación de tonos lumínicos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del Cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el Barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.³

El término italiano chiaroscuro, aunque significa aparentemente lo mismo, es empleado más específicamente para una técnica de grabado en xilografía, que por medio de planchas complementarias da colores a las imágenes, como si fuesen pintadas a la acuarela.⁴ El primer uso conocido del término, con este significado, se atribuye al grabador italiano del siglo XVI Ugo da Carpi, quien habría tomado la idea de composiciones de origen alemán o flamenco. Otros grabadores que trabajaron esta técnica fueron Antonio da Trento y Andrea Andreani. En los grabados de Da Carpi, el efecto del claroscuro destaca una figura central iluminada por una fuente de luz normalmente ausente del plano del cuadro; sin embargo, las áreas oscuras no están tan acentuadas como llegarían a verse en la obra de los principales difusores del chiaroscuro, Caravaggio y Giovanni Baglione.

La técnica se impondría también entre los manieristas, siendo ejemplos de este uso la Última Cena de Tintoretto o su Retrato de dos hombres, que presagia las composiciones de Rembrandt. El pintor holandés ha sido uno de los más conspicuos practicantes del claroscuro, utilizando la luz en su composición para destacar sólo su objeto específico